MIAN 2024 : présentations d'artistes

Depuis 2007, le MIAN est un événement qui facilite les échanges professionnels entre les acteurs majeurs de l'écosystème de l'art numérique et de la culture à l'échelle internationale.

À travers des tables rondes, des performances et des moments de réseautage, le MIAN réunit des producteurs et des commissaires du monde entier pour discuter des enjeux liés à l'avenir de l'art et plus spécifiquement de la place des nouvelles technologies au sein des productions et la promotion d’art numérique contemporain.

Présentations d'artistes

Une sélection d'artistes travaillant dans le domaine de l'art numérique présente ses œuvres au MIAN.

Anna Eyler et Nicolas Lapointe [QC]

Digi-Deuil Distribution | aenl | 2022 | installation participative

Digi-Deuil Distribution (DDD) est une installation participative axée sur la mort numérique. Alors que l’espace virtuel est de plus en plus encombré par nos artefacts numériques, DDD s’interroge sur l’impact de la technologie sur notre compréhension de l’(im)mortalité. À travers une esthétique « pixel art » inspirée des jeux vidéo, DDD joue sur la marchandisation de l’expérience contemporaine en examinant comment nos sujets les plus sacrés sont transformés en produits de consommation. Parallèlement, l’œuvre s’inspire de la manière dont les jeux vidéo créent un espace permettant de réfléchir à nos peurs et angoisses les plus profondes, en dehors de la vie quotidienne. DDD invite les participants à acheter un petit lopin d’espace virtuel dans le cimetière numérique de digideuil.net. Un distributeur automatique propose des pierres tombales en acrylique – chacune contenant une adresse web – qui mènent l’utilisateur/propriétaire vers son lieu de sépulture personnel. Chaque concession est unique et personnalisable, et les participants sont invités à rédiger une brève épitaphe et à y enterrer un fichier image, texte ou audio pour commémorer un décès numérique, visible par les visiteurs du site web.

Bianca Shonee Arroyo-Kreimes [QC - CR]

« Last Species on Earth » est une installation vidéo de 4 minutes diffusée en boucle, accompagnée d’une pièce audio de 17 minutes explorant la beauté tragique des organismes génétiquement modifiés. Dépeignant un avenir où la nature génétiquement modifiée est la norme, elle met en images un scénario dans lequel les animaux, à la suite de modifications génétiques et de croisements intensifs, ont évolué pour devenir des accessoires au service des humains. « Last Species on Earth » suit l’histoire des deux derniers organismes de leur espèce (inspirée du « Companion Species Manifesto » de Donna Haraway), qui ressemblent à des animaux de synthèse issus d’une consanguinité extrême que l’on trouve dans notre propre monde, faisant écho aux tentatives de l’humanité de breveter et de contrôler la vie, notamment par le recours aux OGM. « Last Species on Earth » a été créée lors de la résidence « Ecologies & Cosmologies : Themed Commission » à Trinity Square Video.

Santiago Tavera et Laura Acosta [QC - COL]

« Last Species on Earth » est une installation vidéo de 4 minutes diffusée en boucle, accompagnée d’une pièce audio de 17 minutes explorant la beauté tragique des organismes génétiquement modifiés. Dépeignant un avenir où la nature génétiquement modifiée est la norme, elle met en images un scénario dans lequel les animaux, à la suite de modifications génétiques et de croisements intensifs, ont évolué pour devenir des accessoires au service des humains. « Last Species on Earth » suit l’histoire des deux derniers organismes de leur espèce (inspirée du « Companion Species Manifesto » de Donna Haraway), qui ressemblent à des animaux de synthèse issus d’une consanguinité extrême que l’on trouve dans notre propre monde, faisant écho aux tentatives de l’humanité de breveter et de contrôler la vie, notamment par le recours aux OGM. « Last Species on Earth » a été créée lors de la résidence « Ecologies & Cosmologies : Themed Commission » à Trinity Square Video.

Cristo Riffo [QC - CHIL]

L’œuvre de Cristo Riffo traduit et explore les complexités et les contradictions de l’histoire, de la politique et de la technologie, en les mettant en parallèle avec les mystères profonds de la vie et de la conscience. En recourant à la robotique, à l’électronique, à la chimie et à la microbiologie, il crée des traductions poétiques de la réalité à travers ce qu’il appelle des « machines philosophiques » : des machines qui tentent de se confronter à la montée en puissance de phénomènes tels que le néofascisme, les guerres de désinformation et l’exploitation mutuelle et de la nature. Ces machines prennent la forme d’installations cinétiques, d’œuvres de bio-art et de performances audiovisuelles. À travers la forme et la matérialité, chaque machine, selon ses différentes approches, tisse des significations profondément complexes en jouant sur la lumière et l’ombre, le drame cosmique de la vie microbienne, la chaleur du bois et la rigidité du métal, ainsi que l’utilisation d’images d’archives et de documents historiques, le tout dans le désir d’amplifier la réalité grâce à la perception élargie de l’Art. Cette volonté s’étend à la possibilité de susciter des débats qui interpellent l’esprit et la vie de mes spectateurs, en les confrontant aux contradictions de l’existence, en les forçant à considérer ces contradictions sous différents angles, dans l’espoir de faire de leur sensibilité un prisme reflétant les émotions de l’humain et de la nature.

Rytha Kesselring [QC]

Écosystème III : Vivre dans nos propres fictions (2022) Cette installation interactive se compose de panneaux de lin tissés à la main, d’éléments sonores et de plantes en pleine croissance. Le système autonome interagit avec son environnement immédiat grâce à des capteurs intégrés qui mesurent la lumière ambiante, la température, l’humidité et les mouvements. En réponse à ces facteurs changeants, les éléments sonores modulent et transforment le paysage sonore ambiant, créant ainsi un écosystème modifié pour les plantes en croissance. Le tissu délicat tissé à la main est mis en mouvement par les ondes sonores émises par des haut-parleurs textiles expérimentaux, créant une résonance visuelle avec le paysage sonore.

Philomène Longpré [QC]

Chaque automne, les papillons monarques parcourent plus de 4 800 km depuis le Canada jusqu’à leurs lieux d’hivernage dans les forêts montagneuses du Mexique. Symbole de l’union sans frontières des trois pays d’Amérique du Nord, le monarque est désormais menacé d’extinction, depuis le 8 décembre 2023. Philomène Longpré a documenté leur migration depuis le parc national de la Pointe-Pelée, en Ontario, jusqu’au Mexique. Au cours d’une résidence à la Maison de la culture Claude Léveillée, elle s’est inspirée des images et des sensations recueillies sur le terrain pour créer une œuvre composée de 4 800 ailes éphémères en papier amidonné, peintes à l’encre comestible et disposées à l’ombre de branches robotisées. Accompagnée de paysages sonores, d’une installation vidéo et d’impressions sur tissu recyclé, cette œuvre rend hommage à l’asclépiade, la plante hôte indispensable au papillon monarque. L’installation interroge la fragilité, l’endurance et la persévérance, mais aussi l’impact du monde technologique. Cette observation nous invite à réfléchir à la profondeur et à la complexité du cycle de vie et des mouvements migratoires, soulignant à quel point nous sommes tous interconnectés dans notre quête constante de survie et de renouveau.

Myriam Bleau et Nien Tzu Weng [QC - TW]

Myriam Bleau, artiste numérique et performeuse basée à Montréal, s’associe à la danseuse, chorégraphe et conceptrice lumière Nien-Tzu Weng pour créer une toute nouvelle performance. Inspirée par la fascination des deux artistes pour les espaces situés entre la réalité physique et les mondes virtuels et imaginaires, « Second Self » explore les multiples possibilités offertes par l’écran tactile : en tant que prolongement de nous-mêmes, instrument, miroir et portail vers le monde virtuel.

Cinzia campolese [QC - IT]

« Set-Rise-Sun » est une installation multimédia qui explore les interactions entre la technologie, le temps et l’environnement. L’œuvre se compose d’un écran LCD modifié, placé perpendiculairement à une surface d’eau au sein d’un cadre naturel. Grâce à cette disposition, les spectateurs peuvent observer un soleil virtuel en constante évolution qui se déplace du haut vers le bas de l’écran. À l’œil nu, l’écran n’émet qu’une lumière blanche. Le film polarisé de l’écran LCD ayant été retiré, le contenu n’est visible que par le reflet sur l’eau, qui agit comme un filtre polarisant naturel en raison du phénomène de l’angle de Brewster. Les normes culturelles occidentales dominantes ont souvent considéré le temps comme une ressource à conquérir et à défendre, marquée par une progression linéaire, une soif de résultats rapides et un sentiment d’urgence. Cette volonté de dominer le temps illustre historiquement la manière dont les humains ont tenté d’exercer leur contrôle sur la nature et sur eux-mêmes. L’œuvre invite le spectateur à réfléchir aux subtilités de notre situation actuelle, aux défis socio-environnementaux auxquels nous sommes confrontés. Elle nous encourage à méditer sur les conséquences de notre dépendance croissante à la technologie et sur les issues possibles de notre éloignement du monde naturel.

Santiago Tavera et Laura Acosta [QC - COL]

Camouflaged Scream – Installation immersive et interactive comprenant des projections vidéo panoramiques, un son spatialisé, des capteurs à ultrasons, une branche d’arbre, des lumières LED et des matériaux réfléchissants. (2021) « Camouflaged Screams » est une installation interactive qui explore la relation (a)symbiotique entre les humains et l’environnement naturel. Cette expérience augmentée intègre des projections vidéo panoramiques à grande échelle d’une performance enregistrée avec des pièces textiles, ainsi que des capteurs de mouvement, des paysages sonores enveloppants, des dispositifs d’éclairage et des éléments sculpturaux. À mesure que le public se déplace autour de l’installation, ses mouvements ont le pouvoir de modifier les images et les sons dans l’espace, invitant les spectateurs à réfléchir à la manière dont leur présence et leurs actions ont un effet direct sur les environnements qui les entourent. Ce projet a été présenté à OPTICA, Centre d’art contemporain, Montréal, Canada, du 17 avril au 12 juin 2021.

Santiago Tamayo Soler [QC - COL]

« Recado » est une installation vidéo de 20 minutes diffusée sur deux écrans, qui montre simultanément l’intérieur et l’extérieur d’une maison située dans les montagnes colombiennes, tandis qu’une marmite de soupe mijote. En espagnol, « recado » signifie « message ». En Colombie, ce mot désigne également un mélange utilisé pour rehausser la texture et les saveurs de divers plats traditionnels, principalement des soupes.

Dany Massicotte [QC]

« Cosmic Debris : A Story About the Universe » est une installation multidisciplinaire qui présente un ensemble de sculptures cinétiques filmées en direct et diffusées sous forme de vidéo dans une maquette de bibliothèque. À l'entrée de l'exposition, le spectateur est accueilli par la maquette de bibliothèque (70 x 33 x 50 cm), encastrée dans un mur noir. Des écrans de télévision remplacent le plafond, le sol et les fenêtres de la maquette. Ces écrans diffusent un récit sur la genèse de l'univers.