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ELEKTRA X PARADISE ART SPACE
FESTIVAL
<INSCAPE - Voyage to Hidden Landscape>, festival d'art médiatique
21 au 24 octobre 2021
Paradise Art Space, Incheon, Corée du Sud
ELEKTRA et Paradise Art Space présentent le festival d'art médiatique <INSCAPE - Voyage to Hidden Landscape> du 21 au 24 octobre. Commençant son ambitieux voyage par la première exposition solo complète en Asie de l'artiste québécois Herman Kolgen, présentée à partir du 17 septembre, 10 artistes originaires du Canada, de Corée et du Japon marqueront ensuite le programme en participant à une performance en direct, à une fresque digitale à grande échelle en première mondiale ainsi qu’à un artist talk. Dans l'optique d'atteindre la plus large audience possible et garantir une sécurité sanitaire, chaque événement pourra être suivi uniquement en ligne sur YouTube, permettant ainsi aux spectateurs du monde entier de profiter du festival où qu'ils soient.
Herman Kolgen, Matthew Biederman, Lucas Paris, machìna et YEONO montreront leur créativité et leur talent sur la scène de performances live du club de Paradise City CHROMA, les 21 et 22 octobre. Ce spectacle sera suivi par une façade médiatique à grande échelle par Herman Kolgen et Yiyun Kang le 23 octobre, accompagnée par une session de commentaires en direct par les artistes. Pour le dernier jour du festival, un Artist Talk sera organisé avec tous les artistes présentés et des invités spéciaux, Shohei Fujimoto et KYOKA, par chat vidéo. Rejoints par Alain Thibault (directeur artistique, ELEKTRA) et Jay Bang (curateur, PAS), les participants partageront un dialogue approfondi sur leurs propres pratiques pour cette exposition et son lien contextuel avec le thème du programme, le paysage caché derrière la réalité post-pandémique.
NOTES DES ARTISTES & INFORMATIONS SUR LES OEUVRES
HERMAN KOLGEN
BAKTERIUM
Installation
Panneaux de LED, tableau de LED, cadre de cubes, audio 2 canaux, etc.
3m x 3m x 3m
En collaboration avec le bio-artiste new-yorkais Tal Danino et le conservateur coréen Jay Bang, Herman Kolgen explore un croisement entre la perception technologique et l'implication sociale de la pandémie mondiale par le biais de son inspiration artistique. L’artiste recontextualise la nature grouillante de la bactérie Proteus Mirabilis, à l'origine de l'infection et de la transmission, grâce à l'algorithme d'intelligence en essaim et le modèle épidémique de la pandémie Covid-19.
LINK.C
Video 1 ch, Quatuor à cordes, Partition: Philip Glass
Link.c est une commande de l'Opéra de Bordeaux. Initialement, cette partition de Philip Glass a été écrite pour une pièce de Samuel Becket "Company" 1983. Elle raconte l'histoire d'un homme au seuil de la mort, seul dans son appartement, qui pense à toutes les personnes importantes de sa vie.
J'ai eu l'idée d'élargir le sujet et, contrairement à ce que l'on dit des grandes villes et des réseaux sociaux qui nous individualisent, d'évoquer les liens invisibles qui nous unissent tous malgré l'apparence de l'isolement.
RETINA_NEW
Projection+Laser
LaserTracker, Video Projector, Audio 2 channels, Etc
2.5m x 1.5m
À travers la “caméra humaine” qu’est notre iris, les traces de lumière sont transmises à notre cerveau, où elles sont potentiellement encodées dans notre mémoire. Nous dépendons de la lumière pour interpréter à chaque instant les éléments de notre monde - combien d'images notre perception visuelle a-t-elle enregistrées, traitées et compilées tout au long de notre vie ? Que reste-t-il de ces moments diffractés et de ces flashs éphémères qui résultent du bombardement constant de photons et créent un filtre rétinien amnésique de la vue.
Herman Kolgen explore la coexistence de l'humain et de ses territoires intermédiaires - une relation duale qui interroge le réel, l'intime, l'humain et le monde - dans toute sa fragilité, sa perméabilité et son indétermination.
MATTHEW BIEDERMAN
INCERTITUDE
Performance
Le terme Incertitude est utilisé comme titre et comme point de départ de multiples références pour les fondements conceptuels d'une performance audio-visuelle. De divers points de vue, la pièce peut être considérée comme un clin d'œil au zeitgeist (esprit du temps) de notre époque actuelle (post) pandémique, une référence directe aux outils et processus impliqués, et au principe d'incertitude de Werner Heisenberg. Nous sommes aujourd'hui confrontés à l'incertitude dans presque tous les aspects de notre vie, d'une manière jamais vue auparavant, ce qui nous incite à réexaminer la manière dont nous interagissons et vivons les uns avec les autres sur le plan personnel, communautaire et mondial, dans des circonstances en constante évolution. D'un point de vue physique, utilisant initialement des processus analogiques et des synthétiseurs, tant visuels qu'auditifs, et manipulés numériquement, le résultat de l'œuvre prend le matériau analogique (le signal ou la forme d'onde) et le traduit en immatériel, en phénoménologique, en expérientiel. Grâce à l'instabilité des systèmes analogiques incorporés, l'œuvre sera différente à chaque fois qu'elle sera exécutée.
LUCAS PARIS
Sustained Light Chain
Vidéo, son stéréo sound, réseau numérique de synthèse, moteur de jeu, éclairage de scène
10 minutes
La performance audiovisuelle Sustained Light Chain est un environnement numérique complexe qui fusionne des textures de lumière morphing, des réseaux de signaux, des réactions en chaîne et de la botanique virtuelle dans un instrument audiovisuel en temps réel.
La technique qui sous-tend l'œuvre s'inspire de l'activité des écosystèmes, de l'exponentialité, du mycélium, de la permaculture, de la conception biologique et de la façon dont nous naviguons dans les choix contemporains dans un contexte de changement climatique. Elle découle également des efforts déployés pour créer un environnement virtuel et ses règles, avec un effort conscient pour déplacer l'utilisation des moteurs de jeu au-delà de l'adversité, du conflit, de l'attaque, de l'évaluation et de la récompense, vers le soin, la réflexion, l'attention et la perception. L'œuvre embrasse la fluidité entre le virtuel et le réel, et entre la technicité humaine et la nature.
machìna
Mirror, the compass point
Quadriphonique, synthétiseur, logiciel, 30 minutes
Le troisième album de Machìna est une exploration pour trouver une direction et trouver la solitude. L'album a été inspiré par une enquête émotionnelle sur la notion de soi. À une époque où le monde entier se replie sur lui-même, la musique doit apporter une réponse. Dans la musique électronique, il y a tellement de possibilités de trouver une direction, de se laisser entraîner par des sons qui n'ont jamais été entendus auparavant, sur des chemins non empruntés. En cherchant une direction, j'ai pris du recul et je me suis posé la simple question "pourquoi suis-je ici ?". Comment l'endroit où nous nous trouvons a-t-il un impact sur notre sensibilité émotionnelle, comment notre environnement physique influence-t-il les directions que nous choisissons de suivre ?
YEONO
Real vs Unreal
Performance audiovisuelle, 30 minutes
Pourquoi sommes-nous si passionnés par les avancées technologiques ? Est-ce l'égoïsme des humains qui ne recherchent que la commodité ? Ou est-ce pour le bonheur et le développement durables de l'humanité ? Le développement technologique de l'humanité progresse de manière exponentielle, et nous assistons à l'émergence d'une IA qui transcende les capacités humaines. En effet, de nombreux créateurs ont prévu cette ère de diverses manières depuis un certain temps à travers leurs œuvres. En outre, même avant la pandémie, dans de nombreux domaines de notre vie réelle, nous vivons ou expérimentons avec l'IA. Même dans des domaines dont les gens ne sont pas forcément conscients. Cependant, à l'ère de l'IA transcendante, sommes-nous prêts à les considérer comme des êtres humains ? Si elles peuvent penser et agir par elles-mêmes, quelle est la différence entre elles et nous, les humains ? Voulons-nous seulement une obéissance unilatérale ? Pouvons-nous être sûrs qu'il s'agit d'une meilleure vie humaine ? En tant qu'artiste, j'ai envisagé le processus consistant à utiliser simplement cette technologie et à l'adopter... c'est-à-dire le processus de création d'œuvres et de travaux par le biais de la technologie de l'IA et de la communication en temps réel. Bien sûr, je n'ai pas encore été moi-même... Non, je vais devoir réfléchir sans fin à la communication avec eux dans ce monde qui est arrivé plus tôt que je ne le pensais. Cependant, je suis convaincu que l'émergence d'un nouvel objet n'est pas qu'une crainte, elle peut être la conviction que si la compréhension et la confiance mutuelles sont fondées l'une sur l'autre, cela mènera toujours à une bonne voie.
YIYUN KANG
NO MOTHER NATURE
Fresque digitale, mapping sur façade, 6 minutes
Dans son propre intérêt, l’humain utilise des métaphores pour objectiver la réalité et condenser des concepts complexes. Dans ce processus, nous recherchons des métaphores générales et émotionnelles pour dramatiser et populariser les concepts et ces métaphores ont tendance à se conformer à un large éventail de cultures et d'images mythiques. Comme l'a affirmé Latour, des concepts fictifs ou spéculatifs sont créés par ce processus, et ces dispositifs rhétoriques influencent consciemment et inconsciemment notre façon de penser. Il ne faut pas oublier que les conséquences de ce processus peuvent être plus dangereuses car ces termes ne sont pas dérivés de preuves ou de connaissances empiriques et peuvent donc déformer la réalité.
Mon travail vise à aborder le terme "Mère Nature". L'humanité a anthropomorphisé la nature en l'appelant "mère" depuis une la nuit des temps. La dichotomie occidentale a encore solidifié cette structure symbolique. La nature a été forcée d'entrer dans le modèle dualiste avec les notions de nature-culture, nature sauvage-civilisation, homme-femme. En raison de la séparation cartésienne et d'autres dualismes associés à une vision patriarcale, la nature a été standardisée en tant que femelle douce et aimante. Gaia", un exemple d'héritage de ce langage de domination, renforce les traditions hiérarchiques du dualisme patriarcal qui objectivent continuellement les femmes et la nature.
With the support of the Bureau du Québec à Séoul
